THE ARCHITECTURE OF CONFINEMENT

(*1982 in Paris, lebt und arbeitet in Paris) 
Ramzi Ben Sliman zeigt in seinem Film Grand Hôtel Barbès einen jungen Hauptdarsteller, der nicht in der Lage ist, die Miete seines Zimmers zu bezahlen und frühmorgens aus einem schäbigen Hotel im Norden von Paris auf die Straße geworfen wird. Auf seinem Streifzug durch die Stadt trifft er auf eine Gruppe von Breakdancern, die einen Wettstreit um den besten Tänzer ausfechten. Mit seinen letzten Münzen kauft er sich ein und verzaubert das Publikum mit seinem Ballettanz, den er zu den Klängen Mozarts darbietet. Während der auf den Straßen der Armenviertel von New York entstandene Breakdance mit dem Kopf nach unten wütend in den Boden hineingetanzt wird, zeichnet sich das oft elitäre, klassische Ballett mit seinen aufsteigenden Bewegungen durch seine Betonung von Leichtigkeit und Erhabenheit aus. Dabei spielt der Regisseur mit gängigen Vorurteilen und durchbricht auf poetische Weise soziale und ethnische Grenzen.

(*1952 in Beirut, lebt und arbeitet in London und Berlin)
Die Skulptur T42 (Gold) ist charakteristisch für Hatoum‘s Ansatz, bei dem einfache Alltagsgegenstände mit einem unheimlichen und humorvollen Hauch von Surrealismus verwandelt werden. Der Titel spielt mit der englischen Aussprache der einzelnen Buchstaben und Zahlen, und kann in etwa mit „Tee für Zwei“ übersetzt werden. In dieser Arbeit hat Hatoum die Grundform einer weißen Porzellanteetasse untergraben, indem sie sie verdoppelte, so dass das resultierende Objekt etwas sehr Intimes suggeriert, das wie der Kuss von Brancusi zwei Formen darstellt, die so nahe beieinander liegen, dass sie miteinander verschmolzen sind. Der Titel der Arbeit weist auf die soziale Formalität hin, die mit dem Trinken von Tee verbunden ist und im Widerspruch zur romantischen Geste der Skulptur selbst steht. Im Rahmen der Ausstellung visualisiert das Kunstwerk wie zwei eng miteinander verbundene Personen gleichzeitig ihre individuellen Bewegungen und Handlungen einschränken können.

(*1978 in Tunis, lebt und arbeitet in Berlin und Kiew)
In Modulor I zeichnet Nadia Kaabi-Linke die Dimensionen von Gefängniszellen nach, die in unterschiedlichen Anstalten weltweit zur Einzelhaft verwendet werden. Ohne es zu bemerken, werden die Besucher unmittelbar ein Teil der Installation, in dem sie sich beim Betreten des Ausstellungsraumes innerhalb der imaginären Zellen befinden. Der Titel der Arbeit bezieht sich direkt auf Le Corbusier’s Modulor und seiner Vorstellung von der Rationalisierung des Raumes und dessen optimaler Form. Durch die Überlappung der Linien, welche die Umrissmaße der Zellen abbilden, entsteht eine abstrakte, geometrische Raumzeichnung. Die beengte Architektur des Ausstellungsraumes, und der versperrte Blick nach draußen verweisen zusätzlich auf die Lebensbedingungen der Häftlinge. Durch die Hinweise auf die Ortsbezeichnungen der jeweiligen Gefängnisse bietet die Installation einen Überblick unterschiedlicher Haftbedingungen und visualisiert zugleich eindrücklich die Architektur des Gefangenseins.

(*1984 in Achim, lebt und arbeitet in Hamburg und Berlin)
Die Video- und Soundinstallation our Solo experimentiert mit einer Vermischung der Wahrnehmung von Musikproduktion in klassischen Konzerträumen und von privat gespielter Musik. Dabei sind vier professionelle Musiker/innen zu sehen, die scheinbar über physische Distanzen hinweg in einen Dialog treten. Drei der Musiker/innen spielen jeweils allein in ihren Privaträumen, üben Musikstücke und Melodien, improvisieren individuelle Sound-Fragmente. Ihre Musik scheint durch die Wände in einen leeren Konzertsaal zu gelangen auf dessen Bühne eine Sopranistin steht. Es erklingen Melodien, die als direkte Aufforderung an die Sopranistin für ihre Bühnenperformance verstanden werden, die in diesen Momenten auf die ganz unterschiedlichen, intimen Performances reagiert. Durch die Präsentation der Arbeit im Keller des BNKR verwischen sich die Grenzen von Zuhören und Darbieten, Innenraum und Außenraum, und von privater und öffentlicher Musik.

(*1992 in Ankara, lebt und arbeitet in Amsterdam)
Die Arbeit It is all in his head (Es ist alles in seinem Kopf) versinnbildlicht eine reduzierte Vision des menschlichen Lebens in seinem einsamen Kern. Auf zwei miteinander verbundenen Bildschirmen ist der Umriss einer menschlichen Figur in Embryonalstellung zu sehen, die im Schlaf versunken scheint. Dabei gibt sie kaum erkennbare Wortfragmente und Laute von sich, die bereits im Eingang der Ausstellung wahrnehmbar sind und an Traumwelten kindlicher Schlaflieder erinnern. Erst bei längerer Betrachtung sind minimale Bewegungen der Figur zu erkennen, die sowohl kindliche als auch erwachsene Züge trägt. Die Architektur des Ausstellungsraums und der schwarze Rahmen der beiden Monitore verstärken die ambivalent ausgedrückten Gefühle von Schutz, Gefangenheit, und Einsamkeit.

(*1985 in Warschau, lebt und arbeitet in London)
Ein zentrales Element in  Joanna Piotrowska‘s Arbeit ist das Verhältnis des Körpers zum physischen Raum. Beim Betreten und Verlassen des Ausstellungsraums trifft der Betrachter auf ein Bild überlappender Türen. Die inhärent konfliktreiche Zusammensetzung lässt Zweifel daran aufkommen, ob sie nach außen führen oder ob sie selbst physische Hindernisse sind. Eine weitere Arbeit, die am Eingang des ersten Hauptraums installiert ist, zeigt zwei Händepaare, die in einer konfliktreichen Geste aus Beistand und Zwang ineinander geballt sind. In ihrer Serie Frantic, von der drei Arbeiten in den Ausstellungsräumen zu sehen sind, bat die Künstlerin unterschiedliche Personen, Notunterkünfte mit Gegenständen zu errichten, die aus ihren Wohnungen stammen. Die Bewohner sind in diesen Räumen zusammengekauert und ihre Körper passen kaum hinein. In Bezug auf das kindliche Spielen mit Zelten, verweisen die Bilder eher auf Strukturen von Gefangenheit und Flucht anstatt auf Intimität und Schutz.